ぶっ飛ぶ円盤

市丸のすべて

　売れっ子芸奴から流行歌手へ転身した市丸姐さんは、
　小唄・端唄を究めた艶とコクのある小粋な歌唱で大人気だったそうである。　
　
　日本の歌謡曲・流行歌を聴くときに押さえておきたいのが、小唄・端唄の歌唱法だ。
　例えば、いしだあゆみの「ブルーライト・ヨコハマ」唱法などは、みごとに小唄的である。

　そして、小唄・端唄といえば、市丸姐さんなのだ！
　独特の間（ま）、粗密。
　三味線（のフレット・レス）を連想させる、揺れる音階。
　高低差のある節廻し。
　そして、高音は、少し鼻に抜いて、裏返りぎみに細く儚く。
　唄を究めた者だけが得られる、深いコクと、魔性の艶。（おおげさ）

　　　　　　　　　　　　　　　　　　

　
　では、聴いていこう。
　まず１曲目「天竜下れば」は、民謡テイスト。
　バックは三味線（シャミ）＆オーケストラ。
　１９３３（昭和８）年のヒット曲。
　それにしては、音が新しいようなので、おそらく再録だろう。
　朗々と響かせるのではなく、柳のようにユラユラと揺れる歌唱がまた粋である。

　２曲目「ちゃっきり節」は、教科書などで有名な、あの北原白秋先生が作詞。
　ちなみに[白秋]の反対語が[青春]。
　♪蛙（きゃある）が啼くんで雨ずらよ♪ よっ、名調子！

　９曲目「三味線ブギウギ」は、服部良一氏の作曲。
　ブギといっても、そこは服部メロディ。
　スイング・ジャズというか、行進曲（マーチ）というか、ジャパニーズ・ブギ。
　シチューの中に素麺を入れるような、この無茶苦茶ぶりは、　
　当時の歌謡界に、新しい風を吹き込んだらしい。
　なんたって、♪はろおべいびいしゃしゃりつしゃんしゃん♪ である。
　あげく、♪踊りゃよくなるますますよくなる茄子も南瓜も景気もよくなる♪ とくる。
　よぉーし、みんなでこの歌歌って、景気をよくしよー。

　１１曲目は端唄「お江戸日本橋」。
　よっ、待ってました。にっぽんいち！

　１３曲目「綱は上意」。
　粋な旦那は、“つなじょう”なんて云うそうでございやす。
　端唄のなかでも、難曲中の難曲なんだとか。
　　　つづきはコチラ。まあ、以下、蛇足だが ↓

『BEAST FROM THE EAST』　DOKKEN

　　　　　

　ドン・ドッケンの甘いヴォーカルと、
　ジョージ・リンチの激しいギター。
　両極端とも言える組み合わせが、奇跡的な “不調和の調和” を生む。
　それが、DOKKEN というバンドの魅力である。

　甘いだけでは軟弱、
　激しいだけでは騒音、
　何ら特別ではない。

　ドンの歌は確かに美しいが、ロバート・プラントに比べれば声がほそい。
　ジョージのギターも、“ミュージシャンズミュージシャン”といわれるように
　抜群のテクニックだが、エドワード・ヴァンヘイレンほどの独創性はない。

　ところが、ジョージのギターでドンが歌えば、極上の音楽になる。
　まるで異なる成分を調合してえも言われぬ香りを放つようになるフレグランスのように。

　　　　

　このアルバムは、１９８８年に日本で行われたドッケンのライブを編集したもの。
　ベストアルバムのような選曲で、ドッケンを初めて聴く人も楽しめる。
　ただし７曲目のインストは、「やりすぎ」と思う人と、「かっこいい」と思う人に分かれるかもしれない。
　だが、それもまた、ライヴならではのスリリングさであろう。

　ライヴならではといえば、このアルバムでは
　ドンの掛け声が印象に残る。

　２曲目「TOOTH AND NAIL」に入る前の
　Are you ready for　rock'roll party tonight？

　６曲目「INTO THE FIRE」では、
　イントゥウ・ザファーァイアー
　と、あの美声で歌うようにタイトルをコールする。

　そして８曲目「HEAVEN SENT」での、コール＆レスポンス。
　ドン：ウォ～オ～ォ～　オーディエンス：ウォ～オ～ォ～
　ドン：ワンモアタ-イﾑ
　ドン：オォ～オ～ォ～　オーディエンス：オォ～オ～ォ～
　ドン：ワンモアタ～ァァァイﾑ
　ドン：オォ～オ～ォ～　オーディエンス：オォ～オ～ォ～

　　ほそい・あまい・うつくしい。この三拍子がドンの真骨頂だ。

　あ、
　ちなみに、ライヴ・アルバムなのに最後、
　シングル曲が収録されているのは、
　これを以ってDOKKENが解散してしまうからである。#%V:239%#

　　　　　　　

　『BEAST FROM THE EAST』（LIVE IN JAPAN）　DOKKEN （1988）

『PICTURES FOR PLEASURE』 CHARLIE SEXTON

　　『ピクチャーズ・フォー・プレジャー』チャーリー・セクストン (1985）

　デヴィッド・ボウイといえば、都会的で退廃的なイメージ。　

　　　デヴィッドが組んだバンド、ティン・マシンのファースト・アルバム

　ブルース・スプリングスティーンは、泥臭いイメージ。

　　　グレイテスト・ヒッツ

　正反対ともいえる２つのイメージが、
　ある青年の中で１つになっていた。
　彼の名前は、チャーリー・セクストン。

　セクシーで、そのうえ暖かく、低く太い声。
　とても１７才とは信じられない。
　嗚呼、チャーリーのように歌いたい、と当時思ったものである。

『THE BEST OF JANE BIRKIN』

　
　　　　ジャケ写（ジャケットの写真）を見て思ったこと。
　
　「ジェーン・バーキンって、高橋ひとみに似てる」
　とくに口元が。

　　　　　　（ん？この写真、島谷ひとみじゃないよね）

　歌に容姿が関係あるのか！と、お思いだろうが、
　おおいに関係がある。
　その人の声は、容姿、特に骨格と口元に因るところが大きい。

　したがって、ジェーン・バーキンの歌を唱う時には、
　ジェーン・バーキンの口元を意識して唱うとよい。
　そうすれば発声の際、特有の “引っ掛かり” がでる。

　ただ、高橋とは鼻の形が違うので、
　当然、鼻への掛かり具合は違う。

　まぁ、信じるか、信じないかは、貴方次第ということで（ … )

　　　

　先に進もう。　
　ジェーン・バーキンといえば、やはりウィスパー・ヴォイス。
　訳すればささやき声となるが、実際の歌唱では、
　息漏れ声、つぶやき声なども含まれると思う。

　ウィスパー・ヴォイスといえば、甘ったるいイメージがあるだろう。
　もちろん、ジェーンのウィスパー・ヴォイスにも、甘みはある。
　（ファルセット気味の高音部など）
　だが、酒と煙草の香りを連想させるような、
　なんだか少し塩辛い味がブレンドされている。
　（声のかすれ具合、ヴォイス・コントロールの粗密など）

　この声を聴けば、一片の曇りもないような善人でも、
　自ら進んで懺悔をしたくなるだろう。
　それくらい、締め付けられるというか、苦しくなるというか、
　涙がボロボロ出てくるような声である。
　
　　　

　で、
　このベスト盤のイチオシは、やはり、
　１．L'aquoiboniste　「無造作紳士」(1978) 。
　少し籠ったような湿ったような電子鍵盤の音。
　その音と会話をするようなジェーンのヴォーカル。
　どうすることも出来ないもどかしさに胸が掻き廻される。
　
　もう１つ、
　10．Baby alone in Babylone　「バビロンの妖精」(1983)
　も捨てがたい。（まぁ、捨てる必要はないが）
　原曲は、ブラームスの交響曲第３番第２楽章。
　土の薫りがするメロディである。
　まるで病床でつぶやくような、不安定で儚い声には、
　森田童子のようなある種の厭世観すら感じられる。
　キャデラックやロールスロイスといった、車の名前を並べる歌詞
　などは、あのオッサンのやりそうなおふざけだが、
　ジェーンが唱うと感動的に聴こえてしまう。
　　
　　　　← このオッサン（アコアボン？）
　　　

　　　ここからは、おなじみ蛇足のコーナー ↓

『ELECTRIC LADYLAND』 THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE

ジミヘンの 「VOODOO CHILD(SLIGHT RETURN)」 を初めて聴いた時、
　ラストまで聴けなかった。
　だって、ウルサイんだもん。

　ウルサイと言っていけないなら、革新的と言おうか。
　他の誰にも出せない音色を追求した結果、アノ音になったのだろう。
　今は、ちょっとヘヴィーなブルースという感じで聴けるのだが。

　私の場合、映画『ポリスアカデミー』で、ジミヘン・ギターを声マネする人を観たら、
　「ヴードゥー・チャイルド（スライト・リターン）」が抵抗なく聴けるようになった。
　我ながら軽薄な耳だ。

　　　　

　その「ヴードゥー・チャイルド（スライト・リターン）」を含む『エレクトリック・レディランド』は、
　１９６８年に発表されたエクスペリエンスのサード・アルバムである。
　この作品には、とにかくバラエティに富んだ曲が収録されている。
　
　メロウな「エレクトリック・レディランド」
　トラフィックスの面々が絡む「クロスタウン・トラフィック」
　そのまんまジャム・セッションという感じの「ヴードゥー・チャイルド」（（スライト・リターンじゃないほうの）
　ベース、ノエル・レティング作・ヴォーカルのご陽気な「リトル・ミス・ストレンジ」
　アール・キングの曲をグルーヴィーなノリでカヴァーした「カム・オン」
　ギターがしゃべる「レイニー・デイ、ドリーム・アウェイ」（私には “姉ちゃん、あんたおかしいヨ” と聴こえる）
　等々。

　　　

　そんな中、私のイチオシは、
　ジミの音色へのこだわりが美しい形で実を結んだ
　「ALL ALONG THE WATCHTOWER」。
　これは、ボブ・ディランの曲をカヴァーしたもので、
　本家ディランも、このヴァージョンがお気に入りだったそうである。
　１２弦ギターあり（ゲストがプレイしているとの説）、
　スライド奏法あり、ワウ・ペダルあり、
　魔法のような音色にウットリする。
　　　　　以下、独言↓

『JULIE IS HER NAME』より「CRY ME A RIVER」　Julie London

　　『JULIE IS HER NAME』Julie London 1955年録音

　husky voice (ハスキーヴォイス) を、[しゃがれ声] と訳してある英和辞典がある。

　ひどい、非道すぎる！

　それを読んだ中高生が、

　「あぁ、ハスキーヴォイスって、魔法使いのお婆さんみたいなブキミな声かぁ」

　と思ってしまったらどうする。

　辞書にはこう書くべし。
　　― husky voice ＝ジュリー・ロンドンのような声 ― と。

　一説によると、最初に“ハスキーヴォイス”と呼ばれたのは、

　1955年に録音された『JULIE IS HER NAME』の１曲目、

　「CRY ME A RIVER」におけるジュリーの声だという。

　そこで聴かれる歌声は、
　[しゃがれ声] とは、ちょっとニュアンスがチガう。

　どちらかといえば [抑えた声] [ツヤを消した声] という感じである。

　聴く人によっては、
　「哀しさ」「さびしさ」のような感情を呼び起こすかもしれない、

　そんな声。

　ジュリー本人は、自分の歌について
　「声量がないから、ああいう歌い方になった」
　と、言っていたようだが。

　なるほど、声量のなさを逆に武器にするのか。

　人は、遠くにいる人を呼ぶ時、大きな声で叫ぶ。

　けれども、夜中に二人っきりだったら、小さな声で充分だ。

　その点、ジュリーは大声を張り上げて歌ったりしないから、
　聴く人が、すぐ傍で語りかけられているような錯覚を起こす。

　もちろん、“ハスキーヴォイス”と命名される以前にも、そういう声の人はいたし、
　その後も、ハスキーヴォイスは、さまざまなヴァリエーションを生み続けている。

　けれども、そんな中でも、いまだに
　ジュリー・ロンドンの歌声はスペシャルな存在であり続けている。

　
　　　　　

　じつは、必殺の“ジュリー・ロンドン唱法”には、
　“ハスキーヴォイス”にさらに第２、第３のワザがブレンドされているのだ！

　第２のワザ、それは“ヴィブラート”。

　つまり、声を揺らして♪あ―♪から♪あぁあぁ♪に変化させるのである。

　そうすれば、相手の心を揺さぶることができる。いや、本当に。

　「声を揺らせば、心も揺れる！」リピートアフターミー！　

　だが、“ハスキーヴォイス”と、“ヴィブラート”だけでは、ちょっと重たい。

　ここは、聴く人のカカトがフワッと浮くような、
　カラダが天にむかって２ｃｍくらい引っぱられるような、
　そんなスウィートな味付けが欲しいところ。

　そこで、第３のワザは、
　鼻の頭の裏側付近を意識しながら声を出す

　というもの。
　[鼻声]とは、ちょっとチガう。
　詰まらせるのではなく、上に抜く感じ。

　これで歌声に[甘み]が出る。

　ワタクシは、この技を“スウィート・ノーズ”と（勝手に）呼んでいる。

　“ハスキーヴォイス”“ヴィブラート”“スウィート・ノーズ”の３つは、
　ロックや演歌などなど、いろいろな歌を歌うときにも応用できるすぐれものである。

　もちろん女性だけじゃなく、男性も使える。

　では、ジュリー・ロンドンがどんなふうに使ってるか、ちょっと聴いてみよう。

　♪Now you say you’re lonely♪　

　１音目からいきなり“スウィート・ノーズ”が炸裂！

　次に、ァ～ゥと伸ばしながら、“ハスキーヴォイス”にスライドさせる。

　♪セイユアロンリー♪

　と音が下がっていく部分は、“ハスキーヴォイス”の聴かせどころ。

　ここでは、音の高低差と発声の変化との相乗効果を、うまく活かしている。

　♪cry me a river♪ では、
　まずクラーイのラーをストレートに伸ばしておいて、
　リヴァ～のヴァ～に“ヴィブラート”をかける。

　伸ばすところ全部に“ヴィブラート”をかけてしまうと、ちょっとしつこくなる。

　ノン・ヴィブラートと対比させることで、
　聴く人の心をさらに大きく揺さぶることができる。

　追記：

　ジュリーの歌声は、唯一無二と言って良いが、

　正直、表現の幅が、そんなに広くない。
　「何を歌っても同じように聴こえる」という批評は、
　ある意味、いたしかたない部分もある。

　　　　　以下、余談　↓

『BLUE STARR』より「IT’A LONESOME OLD TOWN」　Kay Starr

　　　
　　　　　　　　　　　　　

　「アメリカにも “演歌 ”があったのか!?」
　この曲を聴いた人は、そう思うかもしれない。

　そのくらい “粘る”。
　例えば歌詞で It’s a lonesome old town という部分は、こう歌う。

　♪ イ― ッァロオォオォオォオンサﾑオﾙタｧ～ア～ゥンァ ♪

　まるで都はるみみたいだ。

　　　

　粘る！粘る！アメリカン演歌。

　演歌のベースの一つに、民謡があるように、
　このいわば“アメリカン演歌”のベースには
　ヒルビリーやブルースが薫る。

　●　ヴィブラートというよりは“小節”（こぶし）。
　●　言葉と言葉の間（ま）を取る。
　●　発声は、舌をやや持ち上げる感じで、鼻腔から頭骸へ音を響かせる。

　以上のような特徴を持つケイの歌には、
　憂うつさや淋しさに負けない、力強さがある。
　

　　　　　　

　　『BLUE STARR』　Kay Starr　1957年録音

　追記：
　ジャズ・ヴォーカリストとして紹介したが、
　この人、基本的にはポップス歌手らしい。
　アルバムの収録曲も、ジャズだと思って聴くと、
　やや雑多な感じがするかもしれない。

『HOUSES OF THE HOLY』　LED ZEPPERIN

　　　　　　

　「人間にこんな声が出せるはずない。ロバート・プラントはバケモンだ！」
　最初にこのアルバムを聴いた時、そう思った。
　声が高いとか、大きいとかいう問題ではない。妖しすぎるのである。

　“若獅子の咆哮”のような『LED ZEPPELIN Ⅱ』、
　“プラント唱法”を完成させた『LED ZEPPELIN Ⅲ』、
　名曲『STAIRWAY TO HEAVEN」を歌う『LED ZEPPELIN Ⅳ』、
　それぞれのアルバムでアンビリーバブルな歌声を聴かせてくれたが、
　ここでの歌には、この世のものとは思えない妖気が漂っている。

　おそらくギタリストでありプロデューサーでもあるジミー・ペイジ
　の“魔法”（機械的処理）#%V:234%# も掛かっているのだろうが、
　だとしても、すごすぎる。

　ロバート・プラントを真似るヴォーカリストは多いが、
　この“妖気”を再現できた者はいない。

　　　　　

　　１．THE SONG REMAINS THE SAME
　　　　元々は、前半のインスト部分が次の「レインソング」へのプレリュードになるはずだった。
　　　　ところがロバートが「詞をつけるべきだ」と言い出して、
　　　　半分にスピートダウンしたヴォーカルパートを入れようと提案したとのこと。

　　２．THE RAIN SONG
　　　　ビートルズのジョージ・ハリスンに「Zepってバラード苦手だよネ」と言われて、
　　　　「よし、ジョージにバラードを聴かせてやろうゼ」という意気込みで作られたのだとか。
　　　　ジミーのナチュラルでクリアなギターと、
　　　　ジョン・ポール・ジョーンズのキーボード（メトロトン、エレピなど）が幻想的なムードを醸し出している。

　　３．OVER THE HILLS AND FAR AWAY
　　　　アコースティックとエレキのサウンドが絶妙にブレンドされている。
　　　　明るめの音だが、ジョン・ボーナムのグルーヴも効いており、
　　　　パワフルさは失っていない。

　　４．THE CRUNGE
　　　　ジェームス・ブラウンのパロディだそうだ。
　　　　言われてみれば確かにファンキーだが、
　　　　ロバートの声で歌われると、完全にツェッペリン味になる。

　　５・DANCING DAYS
　　　　酒に酔ったような気だるい感じのヘヴィロック。
　　　　ジョン・ポール・ジョーンズのオルガンがじめっとしていて良い。
　
　　６．DYER MAK'ER
　　　　ディアメイカー → ジャマイカというダジャレから、レゲエのリズムを取り入れた。
　　　　ロバートが歌うとレゲエに聴こえないが。（もちろんそこがGood！)

　　７．NO QUARTER
　　　　ジョン・ポール・ジョーンズのシンセピアノが幻想的な音色を奏でる中、
　　　　靄の向こうから、ファズの掛かったギターが切り込んでくる。

　　８．THE OCEAN
　　　　（いわゆる）ツェッペリンらしいヘヴィな曲。ジョン・ボーナムのドラムも強烈。
　　　　ドラマのBGMなどにも時々使われたりする。
　　　　後半部分の ♪ドゥワッピ・ドゥビ・ドゥビ♪に脱力。（そして拍手。）
　　　　ヘヴィなまま終わらないところも、いかにもツェッペリンらしい拡散美？

　　　　　　

『LIVE IN JAPAN』 DEEP PURPLE

　世に音楽アルバムは数々あれど、このアルバムほどすばらしいものはない！
　（※個人の感想です）
　艶やかなギターの音色、圧倒的に高いテンション、
　このアルバムを聴いた後は、他のものがしばらく聴けなくなるだろう。

　　１．HIGHWAY STAR
　　　　　　すさまじい疾走（ドライヴ）感！徹底的な様式美！華麗なギター！
　　　　　　最高のアルバムの、最高の曲における、最高の演奏！
　　　　　　（ギター・ソロの所で、沢田研二の「TOKIO」のメロディが聴こえるのはワタクシだけ？）　　　　

　　２．CHILD IN TIME
　　　　　　ジョン・ロードのオルガンが、静かに曲の始まりを告げる。
　　　　　　語りかけるようなイアン・ギランのヴォーカル。
　　　　　　しかし次の瞬間、でた～超人的ハイトーン・シャウト！
　　　　　　♪アァ～ァァ～♪　　　　　

　　３．SMOKE ON THE WATER　　
　　　　　　例の耳に残るギターリフが有名。
　　　　　　ライヴなのでミスタッチをするのだが、
　　　　　　それさえも意図的演出だと思えるワタクシは、
　　　　　　完全にブラックモア信者？　

　　　　　　　　スイスモントルージュネーブ湖畔の火事
　　
　　４．THE MULE
　　　　　　イアン・ペイスのドラムを堪能しよう。

　　　　　

　　５．STRANGE KIND OF WOMAN
　　　　　　ジャズでいえば、Jr.モンテローズとピート・ラロッカのチェイスを連想させるような、
　　　　　　ギランとブラックモアの掛け合いが感動的。
　　　　　　ヴォーカルは楽器のように歌い、ギターは歌うように演奏する。
　　　　　　“声” は、弦楽器にも管楽器にも打楽器にも替わりがきかない、すばらしい楽器なのだ。

　　６．LAZY
　　　　　　ジャズ、ロック、ブルースなど、いろいろな要素が渾然一体となった、パープル流のSWING。　　　　　
　　　　　　途中、リッチーが「NHKきょうの料理」のテーマを奏なでたのには驚いた。
　　　　　　客席が小さくどよめき、拍手喝采。　　　　　

　　７．SPACE TRUCKIN'
　　　　　　ペイスのドラミングが、とてつもなくカッコイイ。
　　　　　　後半延々と続くロードのオルガン。これがアラウンド’７０だ！

　すべてのＣＤの頂点に立つ作品（※個人の感想です）ではあるが、
　ヴォーカルの音をもう少し大きく入れてほしかったことと、
　７曲目のオルガンパートはやっぱり長いというところで、
　ワタクシの満足度は、８９％とさせていただきたい。

　

　　　　　つづきはこちら。でも以下、蛇足 ↓

『PERFECT STRANGERS』　DEEP PURPLE

当時は、早い人だと小学校高学年頃から聴き始めたそうだが、
　ワタクシが “ロック” に目覚めたのは、高校生の時だった。

　ある日、ラジオから
　「PERFECT STRANGERS」という曲が流れてきた。
　なんでも、伝説のロックバンド ディープ・パープル が“復活”したという。
　うわ、この曲カッコイイ、と曲の途中から慌ててカセットテープ（古い！）に録音した。
　３曲続けてということだったので、
　「KNOCKING AT YOUR BACK DOOR」と「A GYPSY'S KISS」は、丸々録音できた。

　それまでにも、ビートルズだとか、ストーンズだとか、
　いわゆる“ロック”系の曲は耳にしたことがあったはずだが、
　ふ～んそんな曲があるのか、という程度で、特にカッコイイとは思わなかった。

　ディープ・パープルをカッコイイと思ったのは、
　（今思えば）ロックのビートに
　クラシックのように美しく、歌謡曲のようにポップなメロディがミックスされていたからだろう。

　それでも、この時に聴いていなければ、
　好きになることはなかったかもしれないが。

　思い出話はこれくらいにして …

　　　

　ディープ・パープルの復活アルバム『PERFECT STRANGERS』は、
　１９８４年に発売された。
　全盛期をリアルタイムで経験されている方はまだ物足りないという。
　しかし、ワタクシ達のような後追い組には、
　十二分過ぎるほどに魅力的なアルバムである。

　　　　　

　リッチー・ブラックモアは、極上のフレーズを流れるように紡ぎ出していく。
　少し前まで RAINBOWで「FIRE DANCE」や「MAKE YOUR MOVE」を弾いていたのだから、
　まだまだ派手なプレイも出来たはずだが、
　ここではギターを歌わせることをより心掛けているようである。

　　　　　

　イアン・ギランの声は、年を重ねて魅力が増した。
　若い頃のようなモンスター・シャウトは使えなくても、
　全身全霊を込めた、豊かな歌心に魂が震えた。
　（その後、また酒に溺れてしまうのだが … ）
　この歌を「下手だ」という人がいるのが信じられない。
　

　　　

　本人はもう少し実験的なプレイも演りたかったかもしれないが、
　ジョン・ロードほど、ツボを抑えた演奏が出来る人はいない。
　痒いところに手が届くというか、
　そうそこそこ　う～んいいトコ突いてくるな～という感じ。
　彼のキーボードのおかげで、曲がグッと引き締まる。

　
　　　　
　
　RAINBOW時代はリッチーのサポートに徹していた ロジャー・グローヴァーだが、
　昔を思い出してか、少し前に出てきている。
　『MACHINE HEAD』あたりを密かに聴き直している姿を想像すると楽しい。
　独特のベースラインも健在。

　　　　

　贅沢を言えば、イアン・ペイスのドラムは、ちょっと平板な気がする。
　人一倍 “音” にこだわってきた人のはずなのに …
　力量を出し切れていない感じ。もったいない。
　サポートに徹するにしても、職人芸的カッコよさを発揮できると思うのだが。
　
　　
　　　　　　　　
　　　　つづきというか以下、付けたし ↓

ぶっ飛ぶ円盤

市丸のすべて

『BEAST FROM THE EAST』 DOKKEN

『PICTURES FOR PLEASURE』 CHARLIE SEXTON

『THE BEST OF JANE BIRKIN』

『ELECTRIC LADYLAND』 THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE

『JULIE IS HER NAME』より「CRY ME A RIVER」 Julie London

『BLUE STARR』 より 「IT’A LONESOME OLD TOWN」 Kay Starr